Kako generativna veštačka inteligencija sve više ispunjava digitalni prostor sadržajem koji liči jedan na drugi, dizajneri ne odgovaraju sterilnošću i savršenstvom. Naprotiv, okreću se trenju, teksturi, greškama, glitch momentima i nostalgiji. Nastaju novi vizuelni jezici koji prihvataju nesavršenost, oslanjaju se na sećanja i svesno se udaljavaju od hladne, automatizovane estetike.
Godina 2026 ne donosi jedan prepoznatljiv stil koji sve ostalo potiskuje. Umesto toga, razvija se kultura slobodnog kombinovanja. Skeuomorfizam se ponovo pojavljuje, ali u slojevima nad modernim interfejsima, brutalizam se omekšava organskim oblicima i biljnim gradijentima, dok se pikseli mešaju sa sjajnim, vapor teksturama. Ovo je dizajn u eri veštačke inteligencije — ne samo dizajn koji nastaje uz pomoć algoritama, već dizajn koji na njih svesno reaguje.
Ono što sledi je pažljivo odabran pogled na vizuelne pravce koji već sada oblikuju blisku budućnost. Ovaj pregled nije konačan niti pokušava da obuhvati sve. To su lični favoriti, izabrani zbog načina na koji njihov vizuelni jezik utiče na to kako razmišljamo o dizajnu i kretanju napred. Ipak, svi oni nose istu poruku — dolaze iz kulture koja pokušava ponovo da pronađe ljudski osećaj u digitalnom svetu.
Iz spoja developerske kulture i dizajna nastaje estetika koja istovremeno gleda unapred, ali se oslanja na retro senzibilitet. Naziva se Technical Mono ili code brutalizam. Prepoznaje se po monospace tipografiji, jednostavnosti komandne linije i snažnim kontrastima, uz jasne reference na izgled terminala i stare IBM sisteme.
Ovaj stil dobija sve više pažnje zahvaljujući novoj generaciji dizajnera koji su ujedno i developeri. Oni ne posmatraju interfejs samo kao vizuelni sloj, već kao produžetak samog programiranja, gde je dizajn deo koda, a ne dodatak.
U praksi, Technical Mono estetika se oslanja na minimalističke interfejse sa puno teksta, jasno definisanu mrežnu strukturu i najčešće crno-belu paletu, često i klasičnu kombinaciju zelene boje na crnoj pozadini.
Monospace fontovi poput OCR-A ili VCR OSD Mono ne koriste se samo za prikaz koda, već i za osnovni tekst i naslove. Time se gradi osećaj tehničke autentičnosti koji posebno rezonuje sa publikom koja razume tehnologiju.
Ukupan utisak je namerno utilitaran, blizak ranim oblicima web brutalizma, ali u isto vreme može delovati iznenađujuće elegantno. Upravo ta kombinacija sirovosti i preciznosti daje ovom pravcu njegovu posebnu snagu.
Detalji poput ASCII grafike, jednostavnih kursor ikonica ili ogoljenih wireframe dijagrama često se koriste kao diskretni ukrasi. Cela estetika povezana je sa „builder“ subkulturom — ljudima koji se podjednako prirodno kreću i u VS Code-u i u Figmi.
Prihvatanje ograničenja, poput fiksnih širina mreže i čistog monospace teksta, ne doživljava se kao sputavanje, već kao oslobađanje kreativnosti. Upravo u tim granicama dizajneri pronalaze prostor za izražavanje.
Ovaj pristup se sve češće pojavljuje na ličnim portfolio sajtovima i u interfejsima aplikacija koje žele da se izdvoje. Primeri poput lične stranice Paula Macgregora koriste svedene rasporede, fontove nalik kodu i pikselizovanu grafiku, stvarajući utisak starog softvera iz ranijih digitalnih epoha.
U brendiranju, naročito kod startapa koji se bave developerskim alatima ili sajber bezbednošću, sve češće se pojavljuju monospace logotipi i estetika nalik konzoli. Takav vizuelni jezik gradi osećaj poverenja i ozbiljnosti, jer direktno komunicira tehničku kompetenciju.
Kako se približavamo 2026. godini, Technical Mono izlazi iz uskog kruga entuzijasta i sve više utiče na glavne dizajn sisteme. Čak i veliki brendovi eksperimentišu sa monospace tipografijom kako bi postigli izgled koji deluje futuristički, ali ne i ispolirano.
Ovaj pravac predstavlja tihi bunt protiv previše uglađenih interfejsa. Umesto sjaja i uglađenosti, vraća duh komandne linije u savremeni dizajn, podsećajući da funkcija, jasnoća i karakter mogu biti jednako snažni kao i vizuelni efekti.
Ono što je pre nekoliko godina počelo kao vizuelni komentar na pitanje privatnosti, kada su viralne fotografije mladih snimljenih podzemnim CCTV kamerama preplavile internet, vremenom je preraslo u prepoznatljiv estetski kod koji danas rado koriste Gen Z autori.
Dizajneri svesno oponašaju izgled sigurnosnih kamera: crno-bele kadrove sa jakim kontrastom, zrnaste i pikselizovane snimke, često izbledele i desaturisane, kao da su uhvaćeni iz daljine ili sa lošeg nadzornog sistema. Taj hladan, pomalo nelagodan vizuelni utisak više nije samo kritika nadzora — postao je stil sam za sebe.
Pop-up prozori, sistemska upozorenja i mehanički elementi interfejsa koriste se namerno kako bi se dodatno pojačao osećaj da je korisnik stalno „pod nadzorom“.
Kako se približavamo 2026. godini, estetika nadzora sve više utiče na interaktivni dizajn. Videćemo sajtove koji imitiraju interfejse sigurnosnih sistema, kao i vizuelne identitete tehnoloških brendova fokusiranih na privatnost i zaštitu podataka.
Posebno mi je zanimljivo pitanje: šta se dešava kada posmatrani postanu posmatrači? Kada se uloge okrenu, Panoptikum se preokreće, a mi postajemo pokretne nadzorne tačke koje usmeravaju pogled ka strukturama moći i nepravednom autoritetu.
Rezultat je atmosfera koja deluje istovremeno mehanički i haotično. Ovaj pristup se naslanja na brutalističke principe, ali im dodaje cyberpunk notu, što sve češće viđamo na avangardnim posterima, omotima albuma i eksperimentalnim web projektima.
Ovu estetiku sam izabrala za svoj najvažniji projekat — AI Design OS — jer se svesno suprotstavlja dominantnom vizuelnom jeziku veštačke inteligencije. Nakon godina posmatranja načina na koji se tehnologija prikazuje, gotovo uvek mehanički i sterilno, postalo mi je jasno koliko se često iz tih prikaza izbacuju ljudski i prirodni elementi.
Vizuelni prikazi često deluju beživotno — hladni elektronski sklopovi, svetleće sfere, hromirana lica bez izraza. U tom procesu gube se nered, toplina i čuđenje koje zapravo čine inteligenciju onim što jeste.
Ovaj trend govori o potrebi za ravnotežom između tehnologije i prirode. Unošenjem prirodnih tekstura, kulturnih umetničkih referenci i tečnih, organskih formi u digitalne platforme, dizajneri unose humaniji i smireniji kvalitet u svet visoke tehnologije.
U 2026. godini, tehno-organska estetika pomoći će proizvodima da deluju prizemljenije i bliže planeti, vizuelno premošćujući hladan jaz između mašine i čoveka. Kroz dizajn se gradi osećaj povezanosti, a ne distance.
Lično, ova suprotnost prirodnog i sintetičkog mi je izuzetno bliska. Upravo u tom kontrastu nastaje estetika koja deluje savremeno, ali i duboko ljudski.
Većina narativa o veštačkoj inteligenciji oblikovana je da ispriča tehničku, a ne emotivnu priču. Takvi vizuelni jezici podsećaju na čistu mašinsku logiku. Postojala je jasna potreba da se dizajnira nešto što deluje živo.
I nisam jedina. Sve više dizajnera briše granicu između digitalnog i organskog. Tehno-organska fuzija podrazumeva spajanje prirodnih motiva flore i faune sa savremenim, visokotehnološkim vizuelnim elementima.
Vidimo i generativne grafike koje imitiraju organske strukture poput godova drveta, mermera ili lišća, kao i interfejse koji kombinuju botaničke ili životinjske ilustracije sa futurističkim detaljima.
Talasi nostalgije za ranim 2000-im godinama vraćaju sjajni skeuomorfizam i šarm dizajna iz perioda pre „flat“ estetike.
Desktop Core predstavlja estetski remix izvornih UI elemenata — poruka, pop-up prozora, browser traka — koji se sada koriste kao vizuelni motivi. Deluje kao spoj kolaža screenshotova i nostalgije: poznati fragmenti interfejsa pretvoreni u grafički jezik. Ovaj stil je razigran, ličan i izrazito blizak Gen Z generaciji, jer svakodnevne digitalne elemente čini neočekivano emotivnim.
Frutiger Aero estetika, nazvana po Frutiger fontu i Windows Aero interfejsu, ponovo se pojavljuje u savremenim projektima, često pod imenom „Neo-Aero“.
Vidimo povratak svetlucavih, mehuričastih elemenata, glatkih sjajnih površina i umirujućih plavo-zelenih paleta boja u modernim interfejsima.
Neki ovaj trend opisuju i kao povratak skeuomorfizma iz „iOS 6 ere“ — aplikacije sa lažnim metalnim teksturama, muzički plejeri koji podsećaju na iPod Classic ili dugmad koja izgledaju opipljivo.
Nostalgija interfejsa danas se vidi u konceptima poput redizajniranih messenger aplikacija sa 3D „gel“ dugmićima ili na sajtovima proizvoda koji koriste XP-stil pozadina sa oblacima.
Oslanjajući se na optimizam i taktilni šarm Y2K GUI estetike, ovi dizajni deluju istovremeno retro i osvežavajuće — kao svesni povratak vremenu kada je interfejs bio izvor zadovoljstva.
Ova estetika vraća nas u period japanskog tehnološkog i pop-kulturnog buma devedesetih godina, u ranu Heisei eru. Jedan njen aspekt je povratak PC-98 umetničkog stila, zasnovanog na NEC PC-9800 računarima, poznatim po pikselizovanim anime vizualima.
Dizajneri ponovo prihvataju taj izgled: niska rezolucija, dither efekti i anime estetika, vrlo slična vizuelima iz 90-ih.
Indie gejming i web-art zajednice danas slave prepoznatljive ograničene palete boja, retro UI okvire i scene koje odmah prizivaju atmosferu starih japanskih računara. Van sveta računara, Heisei retro uključuje i motive poput pejdžera, preklopnih telefona, neonskih kanji natpisa i referenci na rani J-pop ili city pop dizajn omota albuma.
Kroz ove kulturne reference — od Tamagotchi igračaka do ranih PlayStation interfejsa — Heisei retro estetika nas teleportuje pravo u Tokio 1995. godine. Ona je istovremeno omaž prošlosti i njena savremena reinterpretacija, održavajući nostalgične vizuale živim u današnjem dizajnu.
Šarm ranih kompjuterskih grafika sve više utiče na savremeni dizajn. Lo-fi piksel estetika prihvata 8-bitne i 16-bitne vizuale: piksel art ikonice, blokovsku tipografiju nalik video igrama i dither gradijente koji podsećaju na računare i konzole iz 80-ih i 90-ih.
Ovaj trend uzima ograničenja stare tehnologije — krupne piksele i skromne palete boja — i pretvara ih u svesni estetski izbor. Dizajneri koriste pikselizovane fontove i grube grafike u svemu, od web sajtova do brendinga, često ih kombinujući sa savremenim layoutima kako bi dobili svež retro-moderan osećaj.
Rezultat je razigran i nostalgičan, ali i iznenađujuće aktuelan stil, naročito kada se kombinuje sa savremenim bojama i kontrastima. Neki se dodatno inspirišu određenim erama, poput japanske Heisei estetike ili ranih Web 1.0 vizuala, kako bi postigli snažniji subkulturni identitet.
Kako se približavamo 2026. godini, prepoznatljiv izgled pixel arta lako se probija kroz vizuelni šum i posebno rezonuje sa digitalnim generacijama koje su odrasle uz Mario igre i Minecraft.
Pozivajući se na nostalgiju „najranijih dana tehnologije“, a pritom ostajući svež, ovaj stil pokazuje kako dizajneri mogu koristiti kolektivno pamćenje za stvaranje upečatljivih, tehnološki svesnih brendova i interfejsa.
Gledajući dalje od Y2K estetike, ovaj pravac zamišlja dizajn iz godine 3000. Y3K hiperfuturizam donosi ultra-futuristički, uglađen i eksperimentalan pristup. Može se opisati i kao cyber maksimalizam.
Tipografija je često vanzemaljska ili ekstremno svedena, dok se palete boja oslanjaju na sjajnu crnu, srebrnu i iridescentne neon tonove. Ovu estetiku vidimo u eksperimentalnoj digitalnoj umetnosti, poput radova 3D umetnika FVCKRENDER, kao i u avangardnim modnim vizualima, uključujući tech-couture prezentacije kuće Mugler.
Analitičari estetike primećuju da Y3K stil spaja futurističke teme sa razigranim, avangardnim dizajnom, često pod uticajem K-pop cyberpunka i „cybersigil“ okultno-tehnoloških motiva.
U praksi, to znači dizajn koji deluje kao da potiče iz vanzemaljskog megagrada budućnosti: lebdeći UI paneli, holografski renderi proizvoda i okruženja koja su podjednako digitalna i organska. Ovaj stil je ekstremno moderan i ne plaši se fantazije.
Uzimajući ključne motive futurizma ranih 2000-ih — prozirnu plastiku i apstraktni 3D — i gurajući ih dalje kroz LED nosive tehnologije i AI-generisane forme, Y3K hiperfuturizam šalje jasnu poruku: budućnost dizajna je smela, maksimalistička i bez izvinjenja.
Zamisli dizajn koji deluje kao maglovit dnevni san — umirujuće pastelne boje, mek fokus i nežno svetlo, ali sa suptilnom, pomalo nelagodnom notom u pozadini.
Vizuelni jezik ovog trenda čine difuzno osvetljenje, pastelne ili prigušene boje i niski kontrasti sa blago zamućenim detaljima, što zajedno stvara gotovo oneiričnu, snoliku atmosferu. Brendovi su ovu estetiku već istraživali kroz lookbookove i grafike za društvene mreže — od modnih editorijala snimanih u napuštenim tržnim centrima pod neonskim svetlom, do fotografija proizvoda postavljenih na oblačne pozadine sa lebdećim, nadrealnim objektima.
Dizajneri do ovog efekta dolaze kroz zrnaste gradijente, eterične zvučne pejzaže i nostalgične vizuale, poput starih kompjuterskih dijaloga ili fotografija iz detinjstva, često blago izobličenih. Krajnji rezultat podseća na sećanje ili san koji ne možeš sasvim da uhvatiš — topao i utešan, ali istovremeno pomalo jeziv. Ovaj stil je posebno snažan u pripovedanju, jer uvlači posmatrača u liminalno, introspektivno stanje.
Ukrštena tipografija i objekti označavaju trenutak kada tekst prestaje da se ponaša „kako treba“. Reči više ne miruju na stranici — one se sudaraju sa slikama, bivaju zalepljene, heftane, ugrebane direktno u vizuale.
Ovaj stil, podjednako blizak scrapbooku i protestnom posteru, povezuje tekst i sliku u guste, taktilne kompozicije. Deluje kao da je nastao makazama i skenerom — i upravo je to poenta.
Tekst upada preko slika kao da ih prekida. Objekti nisu ilustracije, već dokazi. Selotejp, spajalice, škrabotine i pocepani rubovi postaju ravnopravni deo kompozicije. Tipografija se ponaša kao sklop — više fanzin ili mixtape nego modernistička mreža. Dizajnerski kritičar Rick Poynor ovaj pristup opisuje kao „čežnju za izgubljenim teksturama i tipografijama štampanog sveta“, ali ovde nostalgija postaje alat za kritiku.
Ova estetika snažno rezonuje sa Gen Z vizuelnom pismenošću: emocija ispred reda, lično ispred sistematizovanog. Pojavljuje se u editorijalima, kulturnom brendiranju, gig posterima i haotičnim UI rasporedima gde tekst postaje slika, a slika tekst.
U svojoj suštini, ovaj trend nije dekorativan, već sudaran. Reč je o tome da dizajn ponovo deluje sklopljeno, lično i fizičko.
Od web sajtova i korisničkih interfeUI-ja do brendinga i prezentacija proizvoda, 3D dizajn više nije dodatak — on je svuda. Ovde govorimo o potpuno imerzivnim 3D vizualima koji su integrisani u svakodnevni dizajn.
Brendovi sve više koriste WebGL i AR tehnologije. Na primer, Panasonic omogućava kretanje kroz virtuelni 3D enterijer doma, dok ExxonMobil kroz „CCS“ iskustvo prikazuje procese hvatanja ugljenika direktno u 3D okruženju. Ovakvi projekti brišu granicu između web stranice i videa, uvlačeći korisnika u virtuelni prostor.
U UI dizajnu, ovaj trend se vidi kroz 3D ikonice, widgete i interfejse sa slojevima dubine — poput rotirajućih modela proizvoda ili VR/AR aplikacija. Čak i logotipi dobijaju 3D animacije i pokret, prilagođene aplikacijama i metaverzumu.
Imerzivni 3D karakteriše osećaj dubine i interakcije. Dizajneri se ne ustručavaju da koriste pun kadar 3D grafike koje reaguju na kretanje kursora ili senzore uređaja. Poseta sajtu postaje iskustvo koje se istražuje, a ne samo sadržaj koji se skroluje. Zahvaljujući savremenim GPU-ovima i bibliotekama, 3D je postao glavni vizuelni jezik za angažovanje publike.
Možda si primetila da se mnogi od ovih pravaca preklapaju i međusobno dodiruju. Živimo u kulturi remiksa i preseka.
Ako postoji nešto što estetike 2026. godine jasno odbacuju, to je dizajn bez trenja, stvoren samo radi „glatkog iskustva“. Dok generativni alati proizvode beskonačne, optimizovane rasporede, javlja se snažan kulturni otpor: dizajneri namerno remete mrežu, grebu površinu i vraćaju složenost u kadar.
Meni ovi trendovi deluju kao artefakti, gotovo arhivski zapisi, jer hvataju ogroman trenutak transformacije u istoriji tehnologije.
Ono što se rađa jeste dizajnerski jezik koji odustaje od potpune kontrole i jasnoće, i prihvata novi tehnološki svet kroz teksturu, intuiciju i subkulturnu dubinu. To je dizajn kao signal — drugima, mašinama, ali i nama samima. Kroz potpuno različite vizuelne stilove, od hiper-sjaja Y3K interfejsa do rukom ispisane pobune kidcore estetike, određene teme odzvanjaju kao zajednička frekvencija.
